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La representación del arte indígena americano: entre la autenticidad y la transfiguración

Los artistas indígenas han utilizado el arte como un medio para contar sus propias historias y preservar sus tradiciones

Agustín Millán
Agustín Millánhttp://pompona22.wixsite.com/agustinmillan
Foto periodista especializado en manifestaciones y actos sindicales. Desde 2011 fotografiando la crisis más dura de la historia moderna. Responsable de redes sociales de la Cumbre Social España. Fotógrafo con 5 campañas electorales entre ellas la de Manuela Carmena y la de Enrique Santiago en IU Madrid.
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análisis

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La historia del arte y la cultura de los indígenas americanos ha sido una narrativa de contrastes y contradicciones, especialmente cuando se considera la influencia y la interpretación por parte de los artistas no indígenas. A lo largo de los siglos, las representaciones visuales y literarias han desempeñado un papel crucial en cómo se perciben y comprenden las culturas indígenas. Los artistas indígenas han utilizado el arte como un medio para contar sus propias historias y preservar sus tradiciones, mientras que muchos artistas blancos, a lo largo de la historia de Estados Unidos, han proyectado sus propias interpretaciones y prejuicios en sus representaciones de estas culturas, a menudo distorsionando y simplificando la rica diversidad de los pueblos indígenas.

Arte nativo americano
Arte nativo americano

La autenticidad del arte indígena

El arte indígena de los Estados Unidos es profundamente espiritual y está intrínsecamente ligado a la identidad, la historia y los rituales de sus pueblos. A través de medios como la cerámica, la cestería, el tejido, la joyería y la pintura, los artistas indígenas no solo han creado objetos de belleza, sino también documentos vivos que narran historias de creación, cambio y continuidad. La tradición del arte oral, por ejemplo, es central en muchas culturas indígenas, con cuentos que se transmiten de generación en generación, revelando cosmovisiones y lecciones de vida.

Pinturas de pieles de búfalo de la tribu Naiche, c. 1900-1910; Sailko, CC BY 3.0,
Pinturas de pieles de búfalo de la tribu Naiche, c. 1900-1910; Sailko, CC BY 3.0,

Artistas como Jaune Quick-to-See Smith, del pueblo Confederado Salish y Kootenai, utilizan el arte para explorar temas de colonialismo, identidad y resistencia. Sus obras mezclan elementos modernos y tradicionales, cuestionando la narrativa histórica dominante y promoviendo un entendimiento más profundo de la cultura indígena como algo vivo y dinámico.

Jaune Quick-to-See Smith, State Names Map I, 2000. Óleo, acrílico y papel sobre lienzo, 48 × 72 pulgadas (121,9 × 182,9 cm). Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington, DC; donación de Elizabeth Ann Dugan y compra del museo. © Jaune Quick-to-See Smith. Fotografía cortesía del artista y Garth Greenan Gallery, Nueva York.
Jaune Quick-to-See Smith, State Names Map I, 2000. Óleo, acrílico y papel sobre lienzo, 48 × 72 pulgadas (121,9 × 182,9 cm). Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington, DC; donación de Elizabeth Ann Dugan y compra del museo. © Jaune Quick-to-See Smith. Fotografía cortesía del artista y Garth Greenan Gallery, Nueva York.

A mediados del siglo XIX, los pueblos nativos americanos de las Grandes Llanuras se vieron amenazados por la expansión de los colonizadores estadounidenses hacia el oeste. Así, el arte en libros de contabilidad surgió en esta época como una forma de preservar sus culturas. El artista Chris Pappan, con sede en Chicago, ha mantenido viva esta tradición a través de sus retratos multimedia de diferentes figuras indígenas pintados sobre documentos históricos.

George Catlin
George Catlin

Contraste con la perspectiva occidental

Por otro lado, la representación de los nativos americanos por parte de artistas blancos ha sido complicada y a menudo problemática. En el siglo XIX, artistas como George Catlin y Edward S. Curtis se embarcaron en expediciones para capturar las «verdaderas» imágenes de los «nobles salvajes» antes de que, según ellos, desaparecieran debido a la expansión occidental y la asimilación cultural. Aunque sus obras tienen un valor documental, también son productos de su tiempo, coloreados por la mentalidad colonialista que veía a los indígenas como inferiores y destinados a desvanecerse en la historia.

Edward S. Curtis
Edward S. Curtis

Catlin, por ejemplo, buscaba conservar lo que consideraba puros aspectos de las culturas nativas americanas, pero su enfoque a menudo era paternalista y exotizante. Sus pinturas, aunque detalladas, tienden a generalizar a los pueblos indígenas, ignorando la gran diversidad entre diferentes tribus y comunidades. Similarmente, Curtis es famoso por sus fotografías de nativos americanos, pero también es criticado por escenificar fotos para que se ajustaran a su visión romántica de cómo debían lucir los indígenas.

edward-sheriff-curtis-ritratti
Edward Sheriff Curtis

El impacto de la transgresión cultural en el arte

Este enfoque occidental no solo ha distorsionado las percepciones generales de los pueblos indígenas, sino que también ha influenciado cómo se ve y se entiende el arte indígena. Durante mucho tiempo, el arte indígena fue categorizado por académicos y museos no como «arte» en el sentido formal, sino como artefactos antropológicos o etnográficos. Esta visión reduccionista ha sido desafiada y cambiada en décadas recientes por artistas y académicos indígenas que exigen que su arte sea visto dentro de su propio contexto cultural y estético.

La reclamación de la narrativa indígena

La lucha contemporánea de los artistas indígenas por la autodeterminación cultural a través del arte es una respuesta directa a siglos de mal interpretación y apropiación. Artistas como Kay WalkingStick (Cherokee) y Jeffrey Gibson (Choctaw-Cherokee) mezclan medios y estilos para desafiar las percepciones estereotípicas y celebrar la vibrante continuidad de la herencia cultural indígena. WalkingStick, por ejemplo, es conocida por sus paisajes abstractos que incorporan elementos de arte nativo americano y simbolismo, conectando tierra y espiritualidad de manera que desafía las nociones convencionales de la identidad indígena y del arte.

Kay WalkingStick, “Night/ᎤᎡᎢ (Usvi)” (1991), oil, acrylic, wax, and copper on canvas, 36.25 x 72.25 x 2 in (courtesy the Montclair Art Museum, purchased with funds provided by Alberta Stout)
Kay WalkingStick, “Night/ᎤᎡᎢ (Usvi)” (1991), oil, acrylic, wax, and copper on canvas, 36.25 x 72.25 x 2 in (courtesy the Montclair Art Museum, purchased with funds provided by Alberta Stout)

Jeffrey Gibson, por otro lado, utiliza materiales tradicionales indígenas como cuentas y piel junto con técnicas de arte contemporáneo, en obras que interpelan tanto la historia del arte occidental como las narrativas indígenas. Su obra es un diálogo visual que confronta y cura, proponiendo una nueva forma de entender la intersección de las identidades.

“Atom Heart Mother (Earth)”, medios mixtos en libros de contabilidad, 40 x 25 centímetros, 2016
“Atom Heart Mother (Earth)”, medios mixtos en libros de contabilidad, 40 x 25 centímetros, 2016

Los caminos hacia el reconocimiento

Una parte crucial de la redefinición de la representación indígena en el arte ha sido la educación y la mayor visibilidad en espacios públicos y privados. Museos, anteriormente criticados por sus enfoques colonialistas hacia las colecciones indígenas, están comenzando a colaborar con comunidades nativas para curar exposiciones que respeten y reflejen adecuadamente las perspectivas y significados indígenas. Un ejemplo de esto es la exposición «Hearts of Our People: Native Women Artists«, que se centró en las contribuciones de las mujeres indígenas al arte, destacando su papel central en la conservación de la cultura y la influencia en la narrativa artística moderna.

Además, políticas culturales y el apoyo institucional son esenciales para proteger y promover las artes y culturas indígenas. Legislaciones que reconocen y protegen los derechos de los pueblos indígenas a mantener y desarrollar sus prácticas culturales y lingüísticas son fundamentales. Estas políticas ayudan a asegurar que los artistas indígenas no solo tengan el derecho de expresar su cultura libremente sino que también reciban el apoyo necesario para que sus obras sean accesibles a un público más amplio.

“See Haw Thwarts and Alien Invasion from the West”, medios mixtos sobre libro de contabilidad municipal de Evanston, 46 x 28 centímetros, 2019
“See Haw Thwarts and Alien Invasion from the West”, medios mixtos sobre libro de contabilidad municipal de Evanston, 46 x 28 centímetros, 2019

La batalla del reconocimiento

A pesar de los avances, los artistas indígenas y sus comunidades enfrentan aún numerosos desafíos, incluyendo la apropiación cultural y la falta de representación equitativa en el mundo del arte. La batalla por el reconocimiento y la igualdad en la representación sigue siendo una lucha continua. Sin embargo, el creciente número de artistas indígenas que reciben reconocimiento internacional y la gradual inclusión de sus perspectivas en narrativas más amplias son signos de un cambio positivo.

“Displaced Peoples”, acrílico y medios mixtos sobre panel de madera, 101 x 76 centímetros, 2014
“Displaced Peoples”, acrílico y medios mixtos sobre panel de madera, 101 x 76 centímetros, 2014

La historia de la representación indígena en el arte es una narrativa de resistencia y resiliencia. Desde las primeras representaciones erróneas hasta la afirmación contemporánea de la identidad y la cultura, el arte indígena continúa desafiando los límites, invitando a la reflexión y al diálogo. En este proceso, no solo redefine lo que significa ser un artista indígena en el siglo XXI, sino que también ofrece una ventana a la rica diversidad de las culturas nativas americanas, insistiendo en una comprensión más matizada y respetuosa de estas comunidades. A través de su poderosa voz visual, los artistas indígenas no solo están reescribiendo su historia, sino que también están moldeando el futuro del arte global.

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